Die politischen Unruhen im Deutschland der 1920er Jahre trugen zur Entstehung einer neuen Gattung von Filmemachern bei: der Expressionisten des Weimarer Kinos. Europas junge Filmindustrie wurde durch den Ersten Weltkrieg zerstört, sodass die Vereinigten Staaten die Filmproduktion der Nachkriegszeit dominieren konnten. Doch in den amerikanischen Nachkriegsfilmen ging es mehr um Volumen und Profit als um Kunst oder Stil. Hollywood produzierte in den 800er-Jahren jährlich rund 1920 Filme, meist leichte Spielfilme wie Slapstick-Komödien, romantische Dramen oder verwegene Abenteuerfilme. Sie erfreuen sich beim Kinopublikum großer Beliebtheit, haben aber kaum dazu beigetragen, die Grenzen des Mediums auszuloten.
Filmemacher in Deutschland haben größtenteils aus Notwendigkeit einen anderen Weg eingeschlagen. Die politische und soziale Instabilität der Weimarer Republik, ganz zu schweigen von den wirtschaftlichen Engpässen, hatte tiefgreifende Auswirkungen auf die deutsche Nachkriegskultur. Es entstand eine neue kulturelle Bewegung, die später als deutscher Expressionismus bezeichnet wurde. Am deutlichsten wurde dies im Kino, das sich in den 1920er Jahren schnell erholte, als die einfachen Deutschen nach Flucht und billiger Unterhaltung suchten. Da sie sich die riesigen Bühnenbilder, aufwändigen Kostüme und umfangreichen Requisiten von Hollywood-Filmen nicht leisten konnten, suchten deutsche Filmemacher nach neuen Wegen, Atmosphäre, Stimmung und Emotionen zu vermitteln. Sie beschäftigten sich auch mit viel düstereren Themen als Hollywood: Kriminalität, Unmoral, sozialer Verfall und die zerstörerische Kraft von Geld und Technologie. Der deutsche Expressionismus brachte zwei neue Filmgenres hervor: den Gothic-Horrorfilm und film noir (Krimis, die die dunkleren Aspekte menschlichen Verhaltens erforschen).
Einige der bekanntesten deutschen expressionistischen Filme waren:
Das Kabinett von Doktor Caligari (1920). Einer der frühesten Horrorfilme der Geschichte, Das Kabinett von Doktor Caligari erzählt von einem auftretenden Mystiker und seinem Bühnenkumpel, einem schlafwandelnden Mann, der die Zukunft vorhersagen kann. Der Film nutzte in seinen Kulissen und Kulissen in großem Umfang Licht, Schatten und expressionistische Kunststile. Es gab auch ein „verrücktes“ Ende, vielleicht das erste in der Filmgeschichte, bei dem sich die gesamte Geschichte als wahnhafte Rückblende eines Geisteskranken entpuppte.
Nosferatu (1922). Untertitelt Eine Symphonie des Grauens ('Eine Symphonie des Terrors'), Nosferatu war der erste Film eines heute weit verbreiteten Genres: des Vampirfilms. Nosferatu ist angeblich eine Nacherzählung von Bram Stokers Werk Dracula, allerdings wurden die Namen der Charaktere geändert (Regisseur FW Murnau besaß die Rechte nicht). Mit einem begrenzten Budget und nur einer Kamera gedreht, Nosferatu nutzt Licht, Schatten, Zeit, Bewegung und Spannung, um Horror darzustellen, anstatt komplexe Sets oder Spezialeffekte. Die Hauptfigur, der Vampir Orlok, wird als abstoßendes, rattenähnliches Wesen dargestellt und nicht als die gut gesprochenen aristokratischen Vampire zukünftiger Filme.
Phantom (1922). Ein weiterer FW Murnau-Film, Phantom war weder so erfolgreich noch so bekannt wie Nosferatu. in PhantomDas Leben der Hauptfigur Lorenz wird durch den Anblick einer Frau und die zerstörerische Verlockung des Geldes unwiderruflich verändert. Lorenz beginnt mit der Suche nach der Frau, was zu hohen Ausgaben, Schulden, Verbrechen und Mord führt. Im Rückblick erzählt, Phantom nutzt expressionistische Techniken (wie Doppelbelichtung), um Lorenz‘ Verwirrung und zusammenbrechende Gefühle zu vermitteln. In der denkwürdigsten Szene scheinen Gebäude auf Lorenz zuzukippen, ihn zu ersticken und einzustürzen.
Das letzte Lachen (1924). Ein weiterer Murnau-Film, die Hauptfigur von Der letzte Mann ist Portier im Atlantic Hotel, der nach Jahren im Dienst auf die untergeordnete Rolle des Toilettenwarts herabgestuft wird. Der Verlust einer prestigeträchtigen Position ist ihm peinlich und er verheimlicht die Neuigkeiten vor Familie und Freunden. Sie finden es jedoch heraus und machen ihn lächerlich. Murnau nutzte Kamerawinkel und Bewegungen kreativ Das letzte Lachen. Erste Aufnahmen werden aus niedrigen Perspektiven gefilmt, wodurch sowohl das Hotel als auch sein Portier groß und wichtig erscheinen. Später wird die Kamera auf einer Schaukel montiert und scheint durch die Luft zu schweben. Außerdem wird die Geschichte komplett ohne Titelkarten erzählt, was zum ersten Mal in einem Stummfilm der Fall war.
Metropole (1927). Der wohl bekannteste deutsche expressionistische Film, Metropole ist teils Science-Fiction, teils soziale Allegorie. Es zeigt eine zukünftige Gesellschaft, in der die Bürger in zwei verschiedene Klassen gespalten sind: die Elite, die ein Leben in Freizeit in der Sonne genießt, und die Arbeiter, die monoton unter der Erde schuften. Im Mittelpunkt der Handlung stehen zwei Frauen: die mitfühlende Maria, die die Arbeiter mit der herrschenden Klasse versöhnen will; und der Roboter Hel, der darauf programmiert ist, die Stadt zu zerstören. Metropole war ein unglaublich ehrgeiziges Projekt für seine Zeit. Es kostete rund fünf Millionen Mark, dauerte mehrere Monate, um bis zu 300-Extras zu filmen. Es erwies sich bei Kinobesuchern als unbeliebt, wurde jedoch kritisch begrüßt und gilt als Vorläufer für moderne Science-Fiction-Filme.
M. Ebenfalls unter der Regie von Fritz Lang, M hatte für seine Zeit eine außergewöhnliche Handlung. Hans Beckert (gespielt von Peter Lorre) ist ein Pädophiler und Kindermörder, der sowohl von der Polizei als auch von der Berliner Unterwelt verfolgt wird. Er wird zuerst von den Gaunern der Stadt gefasst und erhält einen Scheinprozess. Beckert konfrontiert seine Entführer und erklärt, was ihn dazu treibt, seine Verbrechen zu begehen. Er fragt: „Wer weiß, wie es ist, ich zu sein?“ M Dabei bediente man sich nicht nur expressionistischer Stile, sondern führte auch filmische Techniken ein, die auch heute noch in Kriminalfilmen zum Einsatz kommen.
Das deutsche expressionistische Kino würde das Filmemachen auf der ganzen Welt beeinflussen – auch in den USA. 1923 produzierten die Universal Studios in Hollywood ihren ersten gefeierten Horrorfilm: Der Glöckner von Notre Dame, mit Lon Chaney als Quasimodo. Der Regisseur Wallace Worsley hatte zuvor Dutzende Dramen und leichtgewichtige Komödien produziert – aber er begann, deutsche Regisseure, insbesondere Murnau, zu bewundern und sich viel von ihnen zu leihen. Zukünftige Hollywood-Filme nutzten auch expressionistische Themen und Techniken, darunter Phantom der Oper (1925) Der Monster- (1925) und die Vampirfilme London nach Mitternacht (1927) und Dracula (1931). Einige deutsche Regisseure überquerten den Atlantik und machten sich in Hollywood einen Namen. Paul Leni reiste 1927 auf Einladung der Universal Studios in die USA, für die er mehrere Filme drehte. Das Beste davon, Die Katze und der Kanarienvogel (1927) verband den hohen Kontrast und Stil des deutschen Expressionismus mit amerikanischen Filmkonventionen. Fritz Lang, der Direktor von Metropole, floh in 1934 aus Deutschland (Lang war teiljüdisch und einige seiner Filme waren in der nationalsozialistischen Hierarchie nicht beliebt). Er landete schließlich in Hollywood, wo er amerikanischer Staatsbürger wurde und weitere 21-Filme drehte.
1. Die sozialen Unruhen und wirtschaftlichen Engpässe in Weimar führten zum Expressionismus im deutschen Filmschaffen.
2. Regisseure konnten sich keine große Besetzung oder Ausstattung leisten und suchten nach anderen Techniken, um Stil, Charakter und Emotionen wiederzugeben.
3. Expressionistische Filmemacher beschäftigten sich mit düsteren Handlungssträngen und Themen, darunter Horror und Kriminalität.
4. Expressionistische Regisseure manipulierten auch technische Komponenten wie Licht, Kontrast, Kamerawinkel und Bewegung.
5. Diese Regisseure und ihre Innovationen beeinflussten die reicheren und produktiveren Filmstudios in Hollywood.
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J. Llewellyn et al., „Weimarer Kino“, Alpha History, 2014, abgerufen [heutiges Datum], http://alphahistory.com/weimarrepublic/weimar-cinema/.